John Wayne Gacy. 

Vienen los Payasos

Uno de los mayores traumas de infancia que ha sufrido este humilde redactor fue cuando sus padres, una Navidad de hace 26 ó 27 años le colocaron en las rodillas de un tipo en paro que se había tenido que disfrazar de Rey Mago para llegar a fin de mes.

Otra experiencia sumamente desagradable de mi niñez supuso la primera (y única) visita al Circo, donde por primera vez entré en contacto con el respetable y terrorífico colectivo profesional de los payasos. Comprendo que a muchos les pueda hacer reír y que, incluso, su disciplina pueda ser estudiada como arte; pero entiendan también que los payasos pueden resultar seres de pesadilla.

Su maquillaje y atuendo parecen intuir deformaciones grotescas o parálisis faciales y su perpetua sonrisa parece la que se dibuja en el rostro de los psicóticos.

La cultura popular ha sabido detectar este elemento insano de los payasos y nos ha dejado para el recuerdo algunos payasos que, por derecho propio, merecen estar en el panteón de los dioses oscuros.

Posiblemente fue el Joker el primer payaso siniestro, el clásico villano de Batman se adelantó en 30 años a John Wayne Gacy; a finales de los años '70, este siniestro individuo fue detenido por torturar y asesinar a 33 jóvenes en Chicago, por lo que fue condenado a muerte. Gacy era en apariencia un ciudadano ejemplar que los fines de semana trabajaba como payaso con el nombre artístico de Pogo.

Stephen King se basó seguramente en este asesino para crear su payaso Pennywise, villano de la novela de 1986 It, posteriormente convertida en serie de TV. Killer Klowns from Outer Space de Stephen Chiodo, fue una película de 1988 que narraba la invasión de unos alienígenas con aspecto de payaso. Poco después Doink el Payaso se hacía un hueco en el mundo de la Lucha Libre profesional americana como uno de los personajes más odiados por el público.

En los años '90 empezaron a triunfar bandas de música hardcore como Insane Clown Posse, Twiztid o Slipknot, que se disfrazaban de payasos. Todos ellos eran herederos de los clásicos Kiss. En el cine la última muestra de terror circense ha venido de la mano del Capitán Spaulding de la Casa de los 1.000 Cadáveres dirigida por Rob Zombie.

Si bien deben existir muchos más payasos terroríficos, por lo que les invito a que me ayuden a seguir engrosando esta estimulante lista.

La Ruleta de Golden Palace. 

GoldenPalace.Com

¿A quién no le ha saltado algún odioso banner de esta página web mientras navegaba por internet? Pues que sepan que, aparte de un casino on-line, es un mono boliviano.

Sí, han leído bien, GoldenPalace.Com es el nombre de un tití cuyo hábitat se encuentra en el parque nacional de Madidi. Descubierto por el Dr. Robert Wallace, éste decidió bautizarlo con el nombre de la empresa que donara más dinero a la FUNDESNAP (Fundación para el Desarrollo del Sistema Nacional de Áreas Protegidas), llevándose el gato al agua Golden Palace al donar 650.000 $.

Si no me creen pulsen aquí o aquí.

Federico García Lorca.

Pequeño Vals Vienés

En Viena hay diez muchachas,
un hombro donde solloza la muerte
y un bosque de palomas disecadas.
Hay un fragmento de la mañana
en el museo de la escarcha.
Hay un salón con mil ventanas.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals con la boca cerrada.

Este vals, este vals, este vals, este vals,
de sí, de muerte y de coñac
que moja su cola en el mar.

Te quiero, te quiero, te quiero,
con la butaca y el libro muerto,
por el melancólico pasillo,
en el oscuro desván del lirio,
en nuestra cama de la luna
y en la danza que sueña la tortuga.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals de quebrada cintura.

En Viena hay cuatro espejos
donde juegan tu boca y los ecos.
Hay una muerte para piano
que pinta de azul a los muchachos.
Hay mendigos por los tejados,
hay frescas guirnaldas de llanto.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals que se muere en mis brazos.

Porque te quiero, te quiero, amor mío,
en el desván donde juegan los niños,
soñando viejas luces de Hungría
por los rumores de la tarde tibia,
viendo ovejas y lirios de nieve
por el silencio oscuro de tu frente.

¡Ay, ay, ay, ay!
Toma este vals, este vals del "Te quiero siempre".

En Viena bailaré contigo
con un disfraz que tenga
cabeza de río.
¡Mira qué orillas tengo de jacintos!
Dejaré mi boca entre tus piernas,
mi alma en fotografías y azucenas,
y en las ondas oscuras de tu andar
quiero, amor mío, amor mío, dejar,
violín y sepulcro, las cintas del vals.

Federico García Lorca. Poeta en Nueva York. Ed. Comares. Patronato Municipal Huerta de San Vicente. Granada. 2001.

Joel M. Reed. 

Bloodsucking Freaks

No suelo hablar de cine en este blog, pero hoy voy a hacer una excepción. Hace poco tuve ocasión de ver una de las películas más infames y escasamente recomendables de la historia del cine. Se trata de Bloodsucking Freaks dirigida por Joel M. Reed en 1976.

Pasa por ser una de las películas más desagradables de la historia del cine y creo que verdaderamente lo es. A pesar de todo, en la inexistente redacción de Bubastis solemos mantener extrañas relaciones amor-odio con este tipo de material que espolea nuestra más vergonzosa vena masoquista, razón por la que les adjunto esta reseña.

La trama (¿trama?) cuenta la historia de Sardú y Ralphus, 2 artistas (¿artistas?) que secuestran a jovencitas con el fin de torturarlas y asesinarlas en el escenario del "Teatro de lo Macabro" (un local del off-off Broadway, para que me entiendan). No obstante, no se dejen engañar, el auténtico eje de la película consiste en exhibir a jovencitas desnudas correteando por un escenario y siendo sometidas a un generoso florilegio de torturas y vejaciones.

En la redacción quedamos aturdidos con secuencias tan mostrencas como la de la partida de dardos sobre unas nalgas, la lección de sexo oral con una cabeza decapitada, o aquella otra que prefigura al Almodóvar de Pepi, Luci y Bom al sugerir una lluvia dorada sobre la boca de una dama.

No obstante, lo más inquietante de la película no es el sadismo visual, sino el tratamiento de los personajes. Joel M. Reed consigue que el espectador empatice con sus villanos elevándolos a la categoría de héroes; la película se erige, por ello, en un ejercicio estilístico emocional que anula la sensibilidad del espectador arrastrándolo muy despacio al terreno de la amoralidad absoluta.

Su protagonista, Seamus O'Brien, falleció asesinado poco después del rodaje (y no del estreno, pues evidentemente no llegó a exhibirse comercialmente en los E.E.U.U. debido a las presiones de la asociación Women Against Pornography) y el coprotagonista, el actor enano Louis de Jesus, acababa de protagonizar junto a Vanessa del Río el mítico cortometraje pornográfico The Anal Dwarf, si bien desembocaría en el cine comercial encarnando a un ewok en El Retorno del Jedi.

Una obra única, ya me contarán si se deciden a verla...

Sistema de numeración eslavo.

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Los 43 caracteres que condecoran el título del post de hoy es el nombre que unos padres suecos quisieron poner a su hijo. Tantas letras y dígitos se pronuncian simplemente como Albin. Los padres desearon llamar así a su vástago en señal de protesta por las estrictas leyes suecas relativas al bautismo y al registro civil.

La Corte sueca de Halmstad rechazó la propuesta, así que los padres intentaron bautizar a su hijo con un escueto A, pero por desgracia las leyes suecas también se lo impidieron.

Si no me creen, pinchen aquí o aquí.

Ángel Crespo y su esposa Pilar Gómez Bedate. Upsala (Suecia). 1971.

El Dios Soñado

Del mundo que yo ignoro tú procedes
ardiente de belleza
que yo ilumino porque sé que existe
tanta hermosura. Vienes tú, de frente
tú, como cae la hoja
del árbol y hasta mí la empuja el viento;
como uno de sus rayos
-que es él- me envía el sol; como yo digo
una palabra -que soy yo- y te digo
que vengas, que un momento
dejes de ser silencio
y sueñes mi palabra.

Ángel Crespo. El Bosque Transparente (Poesía, 1971-1981). 1983. Seix Barral. Barcelona.

Jorge Luis Borges y Ernesto Sabato. 

Diálogo

Borges: (...) Habría que saber si el Universo pertenece a la literatura realista o a la fantástica.

Sabato: A la fantástica, qué duda cabe. ¿Hay algo más fantástico que un universo? ¿Hay algo más fantástico que un hombre con 2 ojos en lugar de uno solo?

Borges: A mí, de chico, me llamaba la atención que los chicos no se asustasen de las señoras. Porque venir de pronto a un mundo donde hay gente con una cabeza, 2 ojos y una boca es algo que debiera causarle espanto (Risas) esto prueba la estupidez de los chicos, que ni siquiera se asustan del universo, cuando deberían estar aterrados.

Sabato: Es que se habitúan, y muy pronto. Probablemente ese espanto lo sientan los primeros meses, cuando no lo pueden expresar. Después se habitúan. Lo natural es lo acostumbrado. Un hombre con cabeza de perro nos asustaría mucho, no tenga dudas. Y, sin embargo, ¿qué tiene filosóficamente de malo con respecto a la cabeza de un hombre? Qué estoy diciendo: bastaría con pequeñísimas diferencias para causar pavor. Imagínese que un día descubro que un amigo mío, que siempre ocultaba su índice, tiene un ojito en la punta de ese dedo...

Diálogos de Borges y Sábato. Compilados por Orlando Barone. Emecé Editores. 2ª Edición. 2002. Madrid

Frankenstein. Bernie Wrightson. 1977. 

El Auténtico Frankenstein

Mary Wollstonecraft Shelley, autora de la clásica novela gótica Frankenstein, se inspiró en la personalidad de un científico escocés poco conocido. Un estudiante británico que está haciendo su doctorado cree que el científico escocés James Lind, que fue consejero de Percy Bysshe Shelley (esposo de Mary), sirvió de modelo para el personaje de la ficción que dio vida al doctor Wolf von Frankenstein, quien dio vida a su vez (en la ficción) a uno de los monstruos más famosos del mundo.

En un artículo en el diario de la Sociedad Real de Medicina, el estudiante Christopher Goulding, de la Universidad de Newcastle, escribió que Mary Shelley se sintió intrigada por los experimentos que Lind realizaba, de cuyo desarrollo tenía al corriente a Shelley. Dichos experimentos se centraban, naturalmente, en animar cuerpos muertos.

"En ese momento no se enseñaba ciencia en Eton y mucha gente fue elegida como mentores de muchachos que tenían interés en la ciencia", dijo Goulding. "Algunos detalles sobre los orígenes de la novela emergieron luego en su introducción de la edición de 1831, en la cual ella describe cómo fue 'testigo silenciosa' de las discusiones filosóficas que sostuvieron su esposo y Lord Byron", explicó.

Lind, físico y filósofo, nació en 1736 y fue uno de los primeros en realizar experimentos electro-médicos en Inglaterra, un proceso que hace que los músculos de un muerto se muevan con la corriente eléctrica, si bien sus investigaciones sobre el escorbuto fueron las que le propiciaron cierta gloria, como pueden comprobar leyendo este enlace.

En 1816, cuando Mary Shelley escribió Frankenstein, tenía sólo 18 años. Mary y su esposo habían acompañado a Lord Byron a Suiza. La inspiración y posterior escritura nacieron en la villa de Lord Byron, frente a las costas del Lago de Ginebra.

En su trabajo, el joven Goulding destaca que Mary Shelley estaba más interesada en las consecuencias morales de la investigación que en los detalles científicos. "En el episodio donde se crea al monstruo, el texto de Shelley es muy vago. No hay ninguna descripción del laboratorio que se muestra generalmente en las películas", concluyó Goulding.

Si quieren saber más sobre este suculento tema, diríjanse a esta estupenda página.

La Tête Magique du Sohar. Éliphas Lévi. 1860. 

Bubastis Desenmascarado

Un usuario anónimo lo ha anticipado en los comentarios del último post, el hecho es que el alter ego de Bubastis, Alberto Ávila, ha sido agraciado anoche con el IX Premio de Narrativa de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. La novela será publicada en breve por la estupenda editorial Lengua Trapo.

Como buen aficionado al cómic, al escribir estas líneas no puedo evitar acordarme de aquellos cruciales episodios en los que Mary Jane revelaba a Peter Parker que conocía su identidad superheroica, Ben Urich hacía lo mismo con Matt Murdock o los miembros de Infinity Inc. se despojaban de sus disfraces en una rueda de prensa. En fin, me he quitado la máscara para compartir mi satisfacción y alegría con Vds. y darles las gracias por seguir leyéndome todos los días.

S.T. Coleridge. 

La Prueba

Si un hombre atravesara el Paraíso en un sueño, y le dieran una flor como prueba de que había estado allí, y si al despertar encontrara esa flor en su mano... ¿entonces qué?

Samuel Taylor Coleridge (1772-1834)

Ma Liuming y Zhang Huan. Third Contact. 1994. 

Atrocidades Artísticas Orientales

En los últimos años, el llamado Body Art Chino ha llevado a los artistas, a emplear en sus trabajos animales muertos, fetos y hasta cadáveres humanos.

Los adeptos a esta vertiente artística no dudan en mutilarse y exhibir sus heridas, fotografiar jóvenes con las piernas manchadas de sangre menstrual o exhibir cuerpos deformados y aberrantes.

El escándalo y el impacto fácil sobre el espectador son los eje de esta estética extrema que, sin respeto alguno por el espectador, busca generar sensaciones de repulsión y rechazo.

Ma Liuming, es uno de los performers más reputados de esta tendencia artística, antiguo pintor de óleo, se vistió con un vestido floreado y se maquilló. Este artista, a quien es fácil confundir con una mujer ya que tiene el pelo largo y facciones femeninas, se recostó en un sofá y se masturbó. A continuación, mezcló su semen con agua y se lo bebió.

Zhang Huan utilizó su cuerpo en prácticas masoquistas. En 1994, por ejemplo, se instaló en un toilet público del East Village desnudo y cubierto de miel y aceite de pescado. Después de cuarenta y cinco minutos completó la representación hundiéndose en un río de las inmediaciones que está altamente contaminado.

También en 1994, en una representación llamada 65 Kilograms (que era su peso en ese momento), el artista se suspendió a tres metros de altura sobre la hornalla de una cocina encendida, mientras su sangre corría por unas mangueras desde sus brazos y caía sobre una plancha caliente.

A principios de 1995, Zhang Huan hizo otra presentación, esta vez junto a Ma Liuming, llamada Third Contact. Se los veía en una bañera, desnudos, sumergidos en el agua. Zhang Huan se cortó todo el cabello y en la fotografía final se contempla a los artistas en la bañera con el agua llena de pelos.

Hasta aquí hablamos de lo que llaman Body Art, que no es tan impactante como lo que veremos a continuación:

En 1999, el joven artista Zhu Yu instaló en una muestra su trabajo Pocket Theology, en el que se ve el hombro y brazo de un muerto, semi momificado, que obtuvo en un hospital local. La mano de ese brazo sostenía una soga y el conjunto estaba colgado de un gancho del techo de la sala de exhibición. La soga comienza en la entrada de la sala y se extiende hasta llegar a la instalación.

Un año después, Zhu Yu creó la representación llamada Skin Graft, en la que cose en el cuerpo de un cerdo muerto una porción de su propia piel, "en un intento de sanar el cuerpo muerto agregando la piel viva".

En Estados Unidos, durante los años 80, el artista John Duncan rompió todos los tabúes al incorporar un cadáver en su trabajo llamado Blind Date. Para ello adquirió el cadáver de una mujer en México y se grabó en video teniendo intercambio sexual con el cuerpo. Para asegurarse de que (como él mismo aseveraba) había usado en ese cadáver su última simiente, a continuación se realizó una vasectomía.

Un trabajo realmente espantoso es uno de Peng Yu que llamó Siamese Twins (2000). Peng Yu articula en su arte la creencia de que no existe un alma. Por eso remarca lo irreversible de la muerte en ese trabajo, en el que ella, junto al artista Sun Yuan, hacen transfusiones de su propia sangre a los cuerpos unidos (y muertos) de unos bebés que eran mellizos siameses.

En otra obra horrorosa titulada Oil of Human Being (2000), Peng Yu entuba el cadáver de un niño, introduciéndole lo que ella llama 'aceite de ser humano' (renyou, en chino), un material oleoso que fluye de los cadáveres en la morgue.

Las fotografías de Kan Xuan de sapos desollados ejemplifican el principio de convertir lo que asusta en algo aceptable al presentarlo como arte.

Chen Lingyang hizo una serie de trabajos sobre la menstruación, como una instalación en la que expone telas pintadas con sangre menstrual. Luego de eso presentó Twelve Flower Months (2000-2001), un conjunto de fotografías que representan una año de períodos menstruales. Las fotografías muestran la sangre fluyendo por su cuerpo, reflejada en un espejo, y una flor que representa un símbolo para cada mes.

Un programa de TV en el canal 4 de Inglaterra exhibió en enero del 2003 una serie de fotografías que muestran al artista Zhu Yu sentado a la mesa y comiéndose a un bebé asado.

Este movimiento artístico, evidentemente, no está bien visto por el gobierno de China y, de hecho, las exhibiciones en lugares públicos no están permitidas.

Christine Chubbuck. 

Suicidio en el Aire

Christine Chubbuck trabajaba en la cadena norteamericana de noticias WXLT-TV y le había propuesto al director de contenidos del canal hacer un reportaje sobre el suicidio. Después de ser aprobado su proyecto se dirigió al departamento de policía de Sarasota (Florida) para que le instruyera sobre los métodos más eficaces para llevarlo a cabo.

El oficial que accedió a ser entrevistado le indicó que el sistema más seguro era dispararse a la cabeza con un revólver del 38 cargado con una bala con la punta agujereada al efecto de que el proyectil se dispersase dentro del cráneo del suicida.

Christine le comentó al director del noticiario que iba a mostrar ante las cámaras un revólver del 38 al efecto de ambientar la crónica. Cuando estaba en el aire Chubbuck dijo estas palabras:

"De acuerdo con la política del Canal 40 de brindarles siempre lo último en sucesos sangrientos en vivo y a todo color, les presentamos a ustedes, por primera vez, un intento de suicidio"

Inmediatamente se levantó la tapa de los sesos. Era el 15 de julio de 1974, Christine había pasado a la historia como la primera persona en suicidarse en directo frente a las cámaras de televisión.

El cámara, al oír las palabras de la presentadora, dejó de grabar, por lo que los espectadores tan sólo pudieron ver como la pantalla se volvía negra al tiempo que retumbaba el disparo.

Si quieren saber más sobre este asunto, diríjanse a la wikipedia.

Vicente Gallego. 

Santa Deriva

Con el pulso inconstante
de los metales sucios nos reflejas,
y nadie se conoce en las remotas máscaras
que a su rostro le impone
la mudanza salvaje de tu helada corriente,
poliédrico río de mineral dureza,
mudo espejo de luz y de congoja
en el que el hombre apura el trago limpio
de su alegría efímera
o padece el silencio indiferente
con el que la vida acoge la agonía
de su indefensa sangre.

El rumbo impredecible eres del mundo,
esa estrella fugaz que ilumina un momento
nuestra noche cerrada y nos evoca
el consuelo de un orden, la tutela
de un ser sabio y clemente
que procura su norte a la nave del día.
Pero no hay compasión
ni parece existir discernimiento
en la pura energía desbocada,
sin conciencia ni culpa, que para algunos pasa
por ser tu voluntad.

Y no hay más voluntad que la del viento.
Y el viento nos arrastra.

Tu piedra es la primera
en la mansión feliz de las almas robustas
y en la frente del alma lapidada.
Los espíritus rotos
por el dolor del cuerpo son tu obra,
pero también los ániumos forjados
en la loca alegría de habitar en la carne
cuando la carne es dócil y su humor nos respeta;
tan radical y honda, esa alegría,
que nos duele en los huesos, la propiedad precaria
del verano y la luna.

Y alrededor la carne va muriendo.
Y el verano y la luna lo celebran.

¿Y quién te habrá lanzado en tu absurda derrota,
animal poderoso de rapiña,
contra el frágil cristal de los destinos?

¿Y qué será del nuestro en tus manos borrachas?

Arrolladora fuerza sin criterio
que en tu inercia propicias nuestra historia,
somos los hijos
de tu danza sonámbula y temible.

Nada somos sin ti.

Por eso,
arrulla con tu nana desquiciada
al sueño quebradizo de la vida,
y en tu frío furor sin fundamento
rueda,
ingobernable, oscura,
santa deriva.

Para que todo arda y se consuma,
alto y pleno en su nada.

[Vicente Gallego. El Sueño Verdadero. Ed. Visor. Madrid. 2003]

Hood. 

Las Mejores Canciones del Año

Como prolongación del post de ayer, les dejo con las que, al gusto de la redacción, han sido las mejores canciones del año:

11.- Sleater Kinney - Jumpers (The Woods). Rock clásico y melódico. Sus fuentes beben de Zeppelin y Hendrix. Dureza y sensibilidad. Gritos y jadeos.

10.- Architecture in Helsinki - Frenchy I'm Faking (In Case We Die). Disparates y trompetas, una canción contagiosa, eufórica y demencial. La guinda de un LP excelso.

9.- Of Montreal - Requiem for o.m.m. 2 (Sunlandic Twins). The Shadows y Beach Boys pasados por el tamiz colorista, esquizofrénico y bailable de esta exquisita banda.

8.- Stephen Malkmus - Mama (Face the Truth). El líder de Pavement nos hizo olvidar a su añorada banda con este magnífico LP (quizás injustamente obviado en la lista que presenté ayer) y nos mostró su talento para el pop con esta insignificante y bellísima joya de 3 minutos.

7.- Micah P. Hinson - Don't You (Part 1 & 2) (Micah P. Hinson and the Gospel of Progress). Country descarnado y nostálgico. La voz de Hinson nunca se mostró más espectral y enigmática. Sólo para noctámbulos.

6.- The New Pornographers - Use It (Twin Cinema). El último LP de los canadienses es un festín de power pop. Quizás Use It no sea su mejor corte, pero sin duda es la más adictiva. No se la podrán sacar de la cabeza.

5.- Sufjan Stevens - Chicago (Come on Feel the Illinoise). Es doloroso escoger una sola canción de tan mayúsculo LP. Chicago es una melodía eufórica a la vez que nostálgica. Arte mayor.

4.- Keith Fullerton Whitman - Stereo Music for Farfisa, Compact Duo Deluxe and Drum Kit (Multiples). Whitman nos demuestra que la experimentación puede ser divertida y que se pueden tararear canciones pensadas para museos. Gélido y revelador.

3.- Smog - Drinking at the Dam (The River Ain't to Much to Love). El talento de Bill Callahan es incontestable. Con esta canción demuestra que sigue siendo capaz de ponernos los pelos de punta con sus composiciones. Místico, dulce y conmovedor. Al borde del llanto.

2.- Love as Laughter - Pulsar Radio (Laughter's Fifth). Cuando la escuchen pensarán lo mismo que yo: ¿Cómo se puede hacer una canción tan buena? Un himno hipnótico y bailable. Delicioso.

1.- Hood - The Lost You (Outside Closer / The Lost You E.P.). Un insólito experimento que combina baile y melodía, belleza y ritmo. Ahora que la iglesia católica ha proscrito el Limbo tenemos la banda sonora de tan etérico lugar. Fantasmal y redonda.

Sufjan Stevens. 

Los Mejores Discos del Año

Se acerca el fin de año, y por ello se impone practicar esta costumbre tan estúpida y narcisista de elaborar listas. Se trata, naturalmente, de expresar la disctuble opinión y gusto de los componentes de la inexistente redacción de Bubastis, en todo caso, espero que les sirva para acercarse a nuevos sonidos.

14.- My Morning Jacket - Z. Hacen un mestizaje de rock americano (a la sombra del mejor Neil Young) y de indie rock (a veces, quizás sin querer, suenan como Pavement) y la razón por la que aparecen en esta lista es que han grabado 10 canciones adictivas, hermosas y fascinantes.

13.- Fiona Apple - Extraordinary Machine. La comercialidad no tiene que estar reñida con la calidad. Fiona se hizo popular hace 6 años con Across the Universe, y con este LP se justifica a sí misma como creadora. Pop melodramático para disfrutar.

12.- Bonnie Prince Billy y Matt Sweeney - Superwolf. Will Oldham denotaba fatiga en sus últimos trabajos, ha sabido disipar las dudas aliándose con Matt Sweeney y firmando un LP melancólico y sensual en el que le da una nueva dimensión al indie-country. Magnífico.

11.- Architecture in Helsinki - In Case We Die. Pop desinhibido y desconcertante. Estos australianos dejan a medio construir canciones teñidas de extravagancia y sensibilidad infantil con las que crean no solamente un LP de obligatoria adquisición, sino la confirmación de que la fantasía y la creatividad todavía no está desterrada del mundo del pop.

10.- Isolée - Wearemonster. Sorprendentemente melódico y ambiental, creado a base de loops, ritmos metálicos, voces perdidas y sintetizadores que se solapan, despegan, aterrizan, se retuercen y vuelven a volar. Isolee consigue en este disco, sin emplear alardes experimentales, crear un disco estimulante por lo bien que funcionan los temas y avanzado por el profundo estudio del ritmo y la armonía en la música de baile. No se lo pierdan.

9.- Okkervil River - Black Sheep Boy. Regresamos al rock con raíces folclóricas y disfrutamos de un LP denso enigmático y exquisito. Temores nocturnos, rock elegante y una colección de canciones antológica.

8.- Of Montreal - The Sunlandic Twins. ¿Música de baile? ¿Flok? ¿Pop? ¿Tomadura de pelo? ¿Obra maestra? Un LP que exige oídos y mentes desinhibidas. Viajen a un mundo alternativo en el que los años ochenta siguen siendo el futuro. La imaginación sigue triunfando.

7.- Lightning Bolt - Hypermagic Mountain. Ruido, voces torturadas y experimentación. Una obra de arte para los amantes de la música extrema. Mantengan sucios sus oídos.

6.- Sam Prekop - Who's Your New Professor. Fue la voz de The Sea and Cake, quizás la banda de los '90, y en solitario sigue encandilando. Pop de terciopelo para enamorarse.

5.- Keith Fullerton Withman - Multiples. Ecos electrónicos, figuras virtuales y orfebrería sonora. Fullerton Withman, a la manera de los antiguos alquimistas construye un LP imantado de belleza y densidad. Inolvidable.

4.- Andrew Bird - The Mysterious Production of Eggs. Bird combina con maestría el pop y el folk para construir un disco magnífico. Si lo escuchan no podrán quitárselo de la cabeza, les advierto.

3.- The New Pornographers - Twin Cinema. Llevan muchos años haciendo Lp's casi perfectos y aquí tenemos otra demostración. Un disco con 11 trallazos de pop no necesita que lo defiendan.

2.- Orthrelm - OV. Seguramente no es sólo el mejor LP de este año, sino el de varias décadas. La razón por la que le relego a un segundo puesto es porque es muy difícil de escuchar. Se trata de una canción de free metal minimalista de 45 minutos. ¿Es escuchable? A mí, de hecho, me parece placentero. ¿Es una obra de arte? Sin lugar a dudas. Revolucionario y brutal.

1.- Sufjan Stevens - Come on Feel the Illinoise. 22 canciones adictivas, fascinantes y evocadoras. Cómprense este disco, si no les gusta les devuelvo el dinero.

Jorge Luis Borges. 

La Vida Sexual de Borges

Epifanía Uveda de Robledo, "Fanny", quien durante cuarenta años fue empleada de servicio del escritor Jorge Luis Borges y fue despedida hace quince por María Kodama, la viuda del literato, aseguraba que "el señor murió virgen".

"Estuvo muy enamorado de Estela Canto, la adoraba y guardaba su fotografía. Ella fue su novia desde los 17 años, pero nunca tuvieron relaciones sexuales. Bueno, pobrecillo, no las tuvo nunca con ninguna mujer", dijo la antigua asistenta.

Los contrayentes "vivieron juntos pero en camas separadas" Fanny aseguraba además que Elsa Astete Millán, quien estuvo casada dos años y medio con Borges, le contó que un día, después de su matrimonio, casualmente le rozó la rodilla al escritor y éste se puso a temblar. Según la ex criada, ese casamiento fue una sugerencia de la madre del escritor. "Georgie, por qué no te casas, así no te quedas solo cuando yo me muera", dijo Leonor Acevedo a su hijo, quien de inmediato decidió contraer matrimonio.

De acuerdo con las declaraciones de Fanny, antes de la ceremonia, doña Leonor le dijo a Elsa: "Mira que Georgie no quiere compartir la cama", a lo que la mujer respondió "yo sé cómo llevarme a un hombre a mi cama".

Epifanía aseguraba que tiene la certeza de que en ese matrimonio los contrayentes "vivieron juntos pero en camas separadas". Fanny agregó que ni siquiera con su última mujer, María Kodama, el escritor consumó sexualmente su relación matrimonial y negó que existiera amor en esa unión. "No tuvo relaciones sexuales con nadie. No era algo que le interesara, le tenía pánico. Yo siempre digo que el pobre señor murió virgen".

Fanny aseguraba además que la relación entre Kodama y Borges estaba signada "por las ambiciones y crueldad de la mujer así como por la timidez del escritor". "Kodama lo amenazaba con que lo abandonaría, le hablaba mal de sus amigos, de su familia, de mí: le decía que todos eran unos delincuentes que le querían sacar plata", afirmó.

Fanny también relataba que Borges rechazaba a la raza negra y contó una anécdota con dos mujeres brasileñas que lo visitaron cuando ya estaba ciego. "Se quedaron toda la tarde. Cuando se fueron, él vino a la cocina y me preguntó cómo eran físicamente. Le dije que eran negras. '¡Cómo negras! ¿Por qué no me lo dijo? ¡Qué horror, las hubiera echado!', me contestó".

Según Fanny, quien vive con su hija en una casa que le presta un amigo frente al campo de fútbol del Boca Juniors, Borges le dejó en herencia su casa de Buenos Aires pero "María Kodama cambió el testamento en Suiza" y le quitó todo.