el blog de bubastis

domingo, julio 31, 2005


Juan Ramón y Zenobia. Posted by Picasa

Hasta Pronto

Lamento decirles que me marcho de vacaciones hasta el día 1 de septiembre. Esto no significa que no vaya a postear absolutamente nada durante el mes de agosto, pero sí que el ritmo de actualizaciones será mucho más lento.

Como despedida, les dejo con este fantástico y melancólico poema de Juan Ramón Jiménez extraído de Corazón en el Viento:

El Viaje Definitivo

…Y yo me iré. Y se quedarán los pájaros
cantando;
y se quedará mi huerto, con su verde árbol,
y con su pozo blanco.

Todas la tardes, el cielo será azul y plácido;
y tocarán, como esta tarde están tocando,
las campanas del campanario.

Se morirán aquellos que me amaron;
y el pueblo se hará nuevo cada año;
y en el rincón aquel de mi huerto florido y encalado,
mi espíritu errará, nostálgico…

Y yo me iré; y estaré solo, sin hogar, sin árbol
verde, sin pozo blanco,
sin cielo azul y plácido…
Y se quedarán los pájaros cantando.

sábado, julio 30, 2005


Traci Lords. Posted by Picasa

La Nínfula Feroz

Este blog se preocupa de darles a conocer vidas insólitas y ejemplares. Pretende infundir a sus lectores los preclaros ejemplos que nos han dejado un sinnúmero de artistas cuyo único empeño ha sido hacer de este mundo un lugar más hermoso y habitable.

Hoy, dentro de esta línea didáctica, daremos un repaso a la biografía de la insigne Traci Elizabeth Lords, esforzada actriz que, a principios de los años '80 convirtió el cine pornográfico en su personal satrapía.

Nacida en un pueblecito de Ohio en 1968 y bautizada como Nora Luise Kuzma, conoció desde muy temprano la dureza y sinsabores de la vida. Con 12 años huyó en compañía de su madre de las agresiones y abusos de su padre alcohólico, radicándose en el California.

En aquellas tierras soleadas la Lords siguió desconociendo la felicidad; saldó su adolescencia cuando, a la edad de 15 años, se escapó de casa, abortó y se fue a convivir con un cuarentón.

Este sujeto, vinculado con el mundo de la pornografía, la apuntó de inmediato a la agencia de modelos de Jim South. En su primera sesión de fotos, que se trataba de sexo simulado, la joven no se pudo resistir, y dejándose llevar por el calor de los focos y el ardor de su compañero, acabó fornicando sin trampa ni cartón frente al objetivo.

Viendo las buenas cualidades de la Lords, Jim South promocionó su nueva estrella. Sin embargo, lo que nadie sabía es que este nuevo talento contaba apenas 16 años.

Cuando contaba 77 películas a sus espaldas, el FBI detuvo a la joven para interrogarla. La razón era su minoría de edad y los cargos que pesaban sobre las productoras eran pedofilia y pornografía infantil. De inmediato todos sus films fueron retirados del mercado con la excepción de la clásica Traci I Love You, que fue grabada en Francia cuando Traci había cumplido los 18.

Traci no denotaba inexperiencia alguna en sus películas, era muy profesional en las escenas de sexo y sabía dotarlas de una agresividad asombrosa. Se convirtió en su marca de fábrica simular orgasmos mientras lloraba. Sus partenaires, entre los que se contaban los ya clásicos Jerry Butler, Jamie Gillis o Paul Thomas, detestaban trabajar con ella.

Este triste episodio supuso un serio revés para la industria pornográfica de la época; las empresas gastaron millones de dólares no solo en destruir todo el material grabado con la diva, sino en sufragar los gastos legales. Otras estrellas de la época, como Christy Canyon o Ginger Lynn fueron llamadas a declarar.

Traci Lords, una vez sosegada la tempestad, abandonó el porno y se consagró a la interpretación en el cine comercial. Intervino en series como McGyver (año 1985), Roseanne (año 1988) o Melrose Place (año 1992). Se lució en papeles secundarios en Cry Baby (John Waters. 1990) o Blade (Stephen Norrington. 1998) y, recientemente, ha escrito una autobiografía pendiente de editor en nuestro país titulada Underneath it All.

A pesar de todo, la Traci Lords que todos recordamos y amamos no es la reformada y discreta actriz secundaria de Hollywood, sino aquella amoral lolita quinceañera que revolucionó la pulsiones sexuales de una generación entera. Aprovechemos que en la mayor parte de Europa no sean ilegales sus películas primerizas (cosa que no sucede en los E.E.U.U.) y rindámonos un homenaje recordando a este fósil viviente del porno de los '80.

jueves, julio 28, 2005


Poster promocional de Sonic Youth. Posted by Picasa

Dichosas Listas

Si existe una plaga dentro de la blogosfera es la maldita manía de hacer listas. Suelen ser fruto de la falta de ideas, la prepotencia y el afán masturbatorio del blogger. Yo no voy a ser menos, y aprovechando estos días de verano y de relajación neuronal me dispongo a encasquetarles un ladrillo con mis 20 canciones favoritas. ¡OJO! Se trata de una lista personal que no resulta vinculante ni siquiera para mí mismo (seguramente si hago mañana esta lista no coincidiría un sola canción), en todo caso, aquí la tienen:

1) Leeora - The Sea and Cake.
2) From the Morning - Nick Drake.
3) Gloriette - David Grubbs.
4) Broken / It's a Kid's World - Disco Inferno.
5) Pauline - Durruti Column.
6) Car Wash Hair - Mercury Rev.
7) Hood is Finished - Hood.
8) Me and America (or) The United States of the Gap / God Bless America - Joan of Arc.
9) Orlando - Trans Am.
10) Sea - Codeine.
11) Soft Return / Up to Pizmo - Labradford.
12) Everything in it's Right Place / Airbag - Radiohead.
13) 2 Rights Make 1 Wrong / Mogwai Fear Satan - Mogwai.
14) Seven Seas / My White Devil - Echo and the Bunnymen.
15) Swallow - My Bloody Valentine.
16) Introducing the Quantic Soul Orchestra - Quantic Soul Orchestra.
17) Tears - The Chameleons.
18) Invisible Spiderman - The Fauves.
19) Mozambique - Bob Dylan.
20) Three Legged Cat - Red House Painters.
21) Communist Daughter - Neutral Milk Hotel.
22) Fried Guitar / Superbotany - Marumari / Stereolab y Marumari.
23) Pachuco Cadaver - Captain Beefheart and his Magic Orchestra.
24) Rain on Tin / Little Trouble Girl / Teenage Riot - Sonic Youth.
25) Seattle / Don't Ask Me - PiL.
26) I am a Cinematographer / New Partner / West Palm Beach - Palace Brothers.
27) Nowhere Near - Yo La Tengo.
28) La Caja del Diablo - Los Planetas.
29) Pulsar Radio - Love as Laughter.
30) Captain Easychord - Stereolab.
31) Love Will Tear Us Apart - Joy Division.
32) Drinker's Peace / Gold Star for Robot Boy / Queen of Cans and Jars - Guided By Voices.
33) Isi / Neuschnee - Neu!
34) Das Model - Kraftwerk.
35) The District Sleeps Alone Tonight - Postal Service.
36) Duel - Propaganda.
37) I.C. Water - Psychic TV.
38) Ride the Darker Wave - Sebadoh.
39) Continuous Hit / Promise of Love - The American Analog Set.
40) Oscillations - Silver Apples.
41) Frankie Teardrop - Suicide.
42) Aegina Airlines - The Dead Texan.
43) The Shape of a Bow - The Owls*.
44) Come on! Come on! - The Silver Mount Zion Orchestra and the Tra La La Band.
45) Never Answer the Phone - Today is the Day.
46) Salvador Dali's Garden Party / Silly Girl / You Don't Know How Lucky You Are - Television Personalities.
47) Venus in Furs - Velvet Underground.
48) Three Girl Rhumba - Wire.
49) I Alone - Live.
50) fib01a) - Keith Fullerton Whitman.
51) Jump in Jump in, Come in Come in - Will Oldham.
52) Roses in the Snow - Papa M.
53) I Break Horses / Teenage Spaceship - Smog.
54) Another Song Another Satan - Red Krayola.
55) BBF3 - Godspeed You! Black Emperor.
56) A Watery Kentucky / Wrong Sounding - Gastr del Sol.
57) The Loom - Bark Psychosis.
58) Get a Room - Jim O'Rourke.
59) Silent Kid - Pavement.

Vaya, dije 20 y me han salido 59. No se me puede dejar solo. Les advierto además de que el orden en el que están ubicadas las canciones es completamente aleatorio.

Por último les dejo además con esta suculenta página en la que podrán bajarse casi toda la música que quieran. Que aproveche.

* The Owls existen, de verdad. Son una banda taiwanesa que en 2000 editaron el miniLP Demo donde viene incluida la canción que merito, pero por desgracia no he podido encontrar ninguna referencia de ellos en la red (No confundir con la banda del mismo nombre norteamericana).

miércoles, julio 27, 2005


Gavin Bryars. Posted by Picasa

Consecuencias de un Accidente de Tráfico

En enero de 1975 Gavin Bryars fue atropellado por un taxi. Como consecuencia de este percance tuvo que pasar varios meses convaleciente. Judy Nylon, amiga suya por aquel entonces, le regaló un disco de música de arpa del siglo XVIII. El compositor, ya solo y con muchas dificultades, consiguió poner el vinilo.

Sin embargo, una vez acostado, se dio cuenta de que había puesto el volumen demasiado bajo. Bryars no tenía fuerzas, por lo que, irritado, escuchó aquella pieza musical apenas audible. Sin embargo, conforme pasaban los minutos sintió una epifanía que, ipsissima verba, así nos narra: "Empecé a escuchar ese disco como nunca antes había escuchado música alguna. Fue una experiencia bellísima, tenía la sensación de un iceberg. No podía oír más que los fragmentos más fuertes de la música, percibía pequeñas ráfagas de notas que me llegaban por encima del ruido de la calle y enseguida se marchaban a la deriva. Me di cuenta de que la música ambiental podía ser algo muy interesante. El resultado de esto es que me tomé la música experimental mucho más en serio".

Una vez restablecido, Gavin Bryars editó en la discográfica Obscure (propiedad de Brian Eno) su obra maestra, The Sinking of the Titanic. La empezó componer en 1969 y se trata de la hipnótica recreación del acontecimiento que da título a la pieza musical. En ella, como extraídas de un sueño lejano, el fenómeno sonoro se despliega como un collage onírico y lejano; una sinfonía de ecos y voces se funden y entremezclan con violines imaginarios, himnos episcopales, ragtimes, cajas de música y el venerable recitado de la Sra. Eva Hart, en aquella fecha última superviviente de la tragedia.

Y estas fueron las consecuencias de un accidente de tráfico.

lunes, julio 25, 2005


La Muerte y la Doncella. Posted by Picasa

Snuff 2005

Hace 30 años que surgió la que, a mi parecer, ha sido la leyenda urbana más majestuosa de la modernidad. Más allá del Chupacabras, de la autoestopista fantasma o de los ladrones de vísceras, se encuentra el mito de las películas snuff.

Supongo que todos Vds. sabrán a qué tipo de películas me refiero, pero en todo caso, prefiero aclarar que se tratan de aquellos films pornográficos que acaban por mostrar todo tipo de agresiones, torturas y asesinatos que, supuestamente, son reales.

Corrían los años '70 cuando la industria del porno decidió ampliar su espectro. Los espectadores mostraban fatiga frente a la rutina del género, por lo que éste no tuvo más remedio que reciclarse con nuevos "argumentos". En aquella época se popularizaron las películas sadomasoquistas, en las que se podían contemplar severas palizas, quemaduras de cigarrillos, hematomas, pinchazos y ciertas cantidades de sangre.

Sin embargo los espectadores demandaban más violencia y más sexo. Por ello, como una exacerbación de esta agresividad empezaron a comerciarse films bajo la etiqueta de snuff. Tan subterráneo género, bautizado por el escritor Ed Sanders, fue inventado por el iluminado Alan Shackleton.

Shackleton era, más que empresario, un coleccionista de bancarrotas que encontró por fin la fortuna en el dudoso negocio de los peepshows. Utilizó estas cabinas para exhibir las primeras películas snuff, bajo la pomposa vitola de su productora la Monarch Releasing Corporation y grabadas en 8 mm e incipiente vídeo.

Las atrocidades con las que traficaba Shackleton no eran documentales, evidentemente. Pocos años antes se había hecho con el material fílmico de olvidadas productoras especializadas en sexploitation y las había remontado y modificado con el fin de hacerlas pasar por reales.

La primera película "maquillada" por Shackleton y, por ende, la que cuenta con el privilegio de ser el germen de este género fue Slaughter, rodada en Argentina en 1971 por el matrimonio Michael y Roberta Findlay y rebautizada como Snuff.

El trabajo de Shackleton fue breve pero contundente. Dejó intacto el montaje original, añadiendo una última secuencia con indiscutibles ínfulas metacinematográficas. En ella el director y su equipo aparecen en escena, violan a una de las actrices, la golpean, le cortan la mano y los dedos y la descuartizan. Todo ello con unos medios técnicos los suficientemente efectivos como para hacer creer a la audiencia que se trataba de una escena real.

Shackleton, consciente de que había encontrado una mina de oro, se apresuró a publicitar a bombo y platillo su obra. En 1975, cuando hizo una pase privado para la prensa, les advirtió de la "veracidad" de las imágenes y de que los involucrados en el crimen estaban prófugos de la justicia.

Haciéndose pasar por un justiciero social, Shackleton fue el primero en deplorar el contenido de su película, la cual distribuía, según él, a los meros efectos de denunciar la situación de depredación y abuso que se estaba viviendo "en países tercermundistas de Sudamérica".

El productor creó una ficticia Liga de la Decencia para perseguir estas atrocidades y, como no podía ser de otro modo, Shackleton se hizo millonario de una manera fulgurante. Su película no tardó en ser retirada de circulación, pero las cifras de taquilla fueron impresionantes.

Rápidamente se especuló sobre los posibles puntos de producción, realización, compra y venta de este tipo de cine, como Brasil, El Salvador, Guatemala, Mexico y el propio Estados Unidos; donde se empezó a correr la voz de que se secuestraban inocentes adolescentes o marginados para convertirlos en las siguientes víctimas de un floreciente mercado.

El éxito fue muy efímero para nuestro mezquino productor. El matrimonio Findlay identificó su película y empezó a amenazar a Shackleton con revelar la verdad. Por otro lado la justicia estaba investigando de oficio aquel asesinato impreso sobre celuloide por lo que Alan Shackleton, acosado, tuvo que confesar.

Sin embargo, lo más rocambolesco de esta historia es que, a pesar de la confesión de Shackleton, la leyenda persiste. Se siguen especulando sobre la existencia de estas películas, sobre la manera de obtenerlas y los responsables de las mismas cuando lo único cierto es que, hasta la fecha, nadie ha visto un film de ese tipo.

Transcurría el año 1991 cuando el actor Charlie Sheen visionó en una fiesta una copia de la película Guinea Pig, Flower of Flesh and Blood (Hideshi Hino, 1985), la cual, al estimarla documental, la puso inmediatamente a disposición de las autoridades, quienes determinaron enseguida que se trataba de una mera ficción (aunque eso sí, muy bien lograda). A pesar de todo, este episodio puso nuevamente de actualidad las películas snuff.

Muchos han especulado con la posibilidad de que películas como Trauma (que contó con 4 partes) o Faces of Death (saga iniciada en 1978 que cuenta con 5 capítulos, hasta la fecha) sean verdaderas cintas del género, cuando no son más que muestras de cine mondo. Este subgénero, marcadamente enfermizo, se centra en mostrar imágenes de guerra, de espantosas enfermedades y todo tipo de aparatosas lesiones. Sin embargo se tratan de secuencias extraídas de archivos, noticiarios o, simplemente trucadas.

La serie Guinea Pig se aproxima más al género, su estética es mucho más próxima al genuino e inexistente snuff, pero le falta la característica esencial: es pura ficción.

Y dentro de la ficción este tipo de cine ha sido múltiples veces tratado por el cine comercial en películas como The Fun House (Roger Michael Watkins, 1977), Effects (Dusty Nelson, 1978), Holocausto Caníbal (Ruggero Deodato, 1980), Video Violence... When Renting Is Not Enough (Gary Cohen, 1987), Ocurrió Cerca de su Casa (Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde), Midnight 2: Death, Sex and Videotape (John A. Russo, 1993), Mute Witness (Anthony Waller, 1994), Tesis (Alejandro Amenabar, 1995), The Brave (Johnny Depp, 1997), 8 Milímetros (Joel Schumacher, 1998) o las indigesta cinta japonesa Muzan-e: AV Gyaru Satsujin Bideo wa Sonzai Shita! (Daisuke Yamanouchi, 1999).

Posiblemente nunca podamos ver una película snuff, pero sí podremos ver algo muy cercano a este género. Me refiero a August Underground (Fred Vogel, 2002). 70 minutos de atrocidades simuladamente reales, pepetradas por 2 veinteañeros armados con una videocámara y un extenso arsenal de objetos punzantes. Su director, Vogel, planeó no distribuirla, sino dejar algunas copias abandonadas en lugares públicos, sin embargo la psicosis del 11-S le disuadió de este proyecto y, al final, optó por la promoción ordinaria.

Es muy pronto para analizar el impacto de este film ( que en 2003 suscitó una secuela filmada por el mismo Vogel, muy inferior al original), si bien está unanimemente considerada como la obra más ofensiva y desagradable jamás realizada. ¡Qué gran negocio hubiera hecho con ella Alan Shackleton!

viernes, julio 22, 2005


Bertrand Russell. Posted by Picasa

La Felicidad

Borges consigna con estos versos la desazón del hombre contemporáneo: "He cometido el peor de los pecados / Que un hombre puede cometer. No he sido / Feliz. Que los glaciares del olvido / Me arrastren y me pierdan, despiadados".

Ciertamente, como señalaba Bertrand Russell, "todo el mundo prefiere ser feliz que desdichado". Pero probablemente el error radica en querer buscar la felicidad en una sola dirección y en querer hacer de ella el horizonte y el norte único.

"Me gusta demasiado la vida como para querer ser solamente feliz", dice Pascal Bruckner. Quizá el secreto de la felicidad lo encontremos en Clement Rosset: "Obtener de la realidad más de lo que podíamos razonablemente esperar".

Pero esto no es un estado, es cierta habilidad para optimizar el paso por la tierra, sin esperar de ella más de lo que corresponde a un hombre cuya mayor riqueza es ser hombre y aspirar a seguir siéndolo.

La exigencia de ser felices ha empedrado el mundo de desgraciados. Frente a la obligación de ser feliz habrá que reivindicar la libertad de ser feliz. Y hacerse el encontradizo con la felicidad.

(Sobre un texto de Josep Ramoneda).

jueves, julio 21, 2005


Concierto de Whitehouse. Washington D.C. 1983. Posted by Picasa

La Casa Blanca

El primer LP de los británicos Whitehouse, Birthdeath Experience, salió a la luz en 1980. Desde esta fecha, la banda de William Bennett se ha mantenido fiel a un sonido basado en capas de ruido blanco, frecuencias subsónicas graves, enervantes efectos electrónicos y una ausencia total de base rítmica.

Sus discos funcionan por saturación, en raras ocasiones duran más de 30 minutos y son una colección de mazazos acústicos y frecuencias sonoras a veces altísimas y otras casi imperceptibles. Su último trabajo data de 2003 y se titula Birdseed.

Se trata de una colección de 6 temas obsesivos en los que se intercalan testimonios reales de mujeres y niñas violadas que culmina con un tema minimalista titulado Cut Hands has the Solution que, para muchos, es el mejor trabajo de la banda.

Bennett inició Whitehouse dejándose llevar por la influencia de bandas como Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire y la Yoko Ono más radical. Desalentado por los derroteros comerciales del punk encontró en este proyecto el camino que, a su juicio, debía seguir la música rock.

A lo largo de los años múltiples han sido las formaciones que ha tenido esta banda, en la que tan sólo se ha mantenido fijo Bennett. Hoy en día Whitehouse tiene formato de dúo, junto con Phillip Best, quien se unió al grupo cuando contaba 14 años, en 1982, durante la gira del mítico LP Psycopathia Sexualis.

A mediados de los ochenta trabajaron con Steve Albini, quien les produjo algunos discos, en esta época Jordi Valls (a quien le dediqué el 6 de julio pasado un post) hacía las veces de manager del grupo, y les conseguía conciertos no sin antes asegurar que representaba a un inofensivo combo de pop electrónico.

Los conciertos de Whitehouse han trascendido como auténticas batallas campales. De siempre Bennett ha disfrutado con la hostilidad de la audiencia y, en una ocasión, bloquearon las puertas de un local para que no entrara la policía, cuando por fin echaron las puertas abajo la banda salió tranquilamente pues lucían (y lucen) un aspecto absolutamente normal.

En otra ocasión, en Newcastle, Bennett agredió a una espectadora, por lo que no pudieron tocar durante 10 años en aquella ciudad. También en Newcastle tocaron para una sola persona (la encargada de cerrar el local). En Olimpia (Washington) un concierto fue interrumpido por una turba de fundamentalistas cristianos, formándose una reyerta que acabó con el grupo en prisión y deportados de vuelta a Europa.

Lo cierto es que, a pesar de su aislamiento y extremismo, Whitehouse ha sabido seguir estando en vanguardia durante 25 años sin perder un ápice de interés. Si desean probar emociones fuertes y hacerse con algún disco de este grupo, recurran a la página web de la discográfica Susan Lawly, donde también encontrarán abundante información sobre Whitehouse. Por otro lado, existen usuarios (muy contados) de las redes de intercambio de archivos que comparten trabajos de esta banda.

martes, julio 19, 2005


Friedrich Hölderlin. Posted by Picasa

Et in Arcadia Ego

Johann Christian Friedrich Hölderlin nació el 20 de marzo de 1770 en Lauffen am Neckar (Suabia), hijo de un administrador de un seminario protestante y nieto de un recto pastor evangélico. Huérfano de padre desde muy pronto ingresó en un seminario a los 14 años. Allí se inició en el hebreo, el latín y el griego y conoció la poesía de Klopstock y Schiller.

Hölderlin se mostró desde muy joven inclinado por las pasiones románticas, propenso a enamorarse, fundó con 2 amigos en el seminario de Tübingen una "Liga Poética". En el seno del mismo seminario leyó a Kant y a Rousseau e hizo amistad con Hegel y Schelling, quienes eran compañeros de pupitre.

Con 23 años Hölderlin se apartó de la fe protestante y se juramentó no ejercer nunca el ministerio evangélico. Un año después entabló amistad con Schiller, quien no dudó en publicar un fragmento de Hiperión en la revista "Thalia".

Incapaz de ganarse la vida, un amigo le facilitó un empleo de preceptor en Frankfurt. En la casa del banquero Gontard quedó prendido de su esposa Susette (10 años mayor que el poeta), a la que llamó en lo sucesivo "Diotima" (que será protagonista tanto de Hiperión como de múltiples poemas de juventud).

En Frankfurt Hölderlin se reencontró con su amigo Hegel y conoció a Goethe, quien le manifestó su disgusto por Hiperion, cuya primera parte había sido editada en 1797.

En aquellos días, la relación adúltera entre el poeta y Susette había llegado a unos límites tan intolerables, que Hölderlin tuvo que abandonar la casa Gontard antes de que se desatara un escándalo. Susette le escribió en años sucesivos en estos términos: "Es como si mi vida hubiera perdido el sentido; solo por el dolor sigo notando mi existencia".

Radicado en Homburg, Hölderlin desarrolló una intensa carrera política en apoyo de la república (recordemos que eran los años de la Revolución Francesa) y, posteriormente, en Stuttgart, vivió bajo el mecenazgo de un comerciante llamado Landauer que le permitió desarrollar un fructífero período poético.

Desde 1801 Hölderlin mudó de un trabajo a otro. Se instaló en Suiza, en Burdeos, en París y nuevamente en Stuttgart, donde empezó a notar los primeros raptos de locura. En esta época le escribió así a un amigo: "Temo estar sufriendo la suerte de Tántalo, que recibió de los dioses más de lo que podía digerir".

En julio de 1802 una misiva le comunicó la muerte de Susette Gontard. La mente de Hölderlin se rompió, tardó un mes en llegar desde Stuttgart a la casa familiar en Nürtingen (dicen que fue andando) y llegó en un estado físico tan deplorable que su propia madre apenas le reconoció. Él explicaba su estado con un escueto: "Fui golpeado por Apolo".

El poeta nunca llegó a recuperar sus cabales. Alternaba momentos de gran violencia con otros más sosegados. Schelling narró con horror el deplorable estado de Hölderlin, quien no consiguió, en lo sucesivo, procurarse empleo estable. En 1805 un médico dictaminó que "Su locura se está convirtiendo en frenesí, y es imposible comprender su lenguaje, que parece una mezcla de griego, alemán y latín".

En el verano de 1807, un ebanista llamado Zimmer, fascinado por la lectura del Hiperión, visitó al genio en el manicomio de Tübingen con la intención de llevárselo a su casa.

Hasta 1843, año de la muerte de Hölderlin, el bueno de Zimmer le acogió con amor y respeto, sin exigir nada a cambio.

El poeta siguió escribiendo en todo momento, regocijaba a la familia del ebanista tocando el piano y frecuentaba largos paseos por los alrededores de la ciudad en los que a menudo era importunado por los niños e, incluso, apedreado por ellos.

En aquellos años Hölderlin repudió su propio nombre y se bautizó con el de Scardanelli, con el que firmó sus últimos poemas. A menudo amenizaba a las visitas recitando de memoria poemas y fragmentos del Hiperión y se ofrecía a dedicarle versos a quien se los pidiera. Solía contestar: "Sobre qué quiere que le escriba, sobre la Grecia Clásica o prefiere una meditación lírica?".

Es vano reivindicar la talla artística de Hölderlin, se trata de un artista canónico, de una de las cumbres de la literatura universal; creo que el mejor tributo que se le puede hacer es transcribir este breve poema vertido al español por otro poeta mayúculo, Luis Cernuda:

Ehmals und jezt

In jüngern Tagen war ich des Morgens froh,
Des Abends weint' ich; jezt, da ich älter bin,
Beginn ich zweifelnd meinen Tag, doch
Heilig und heiter ist mir sein Ende.

[Antes y Ahora. En juveniles días a la mañana sentía regocijo, / por la tarde lloraba, y ahora, cuando más viejo soy, / dudando empiezo el día, aunque no obstante, / apacible y sagrado es para mí su fin. Versión de Luis Cernuda. F. Holderlin. Poemas. Ed. Visor. 1974]

lunes, julio 18, 2005


Beatrice Cenci. Escultura de Harriet Hosmer (1856). Posted by Picasa

Crónica Negra Renacentista

Francesco Cenci procedía de una antiquísima y respetable familia que se jactaba de hacer proceder su linaje de los Cincius romanos, razón por la que hizo construir la capilla familiar (llamada Santo Tomás de los Cenci) sobre un antiguo templo pagano dedicado a los Dioscuros.

Francesco había amasado una gran fortuna como banquero, pasaba por ser una persona extremadamente avara y colérica, si bien sus raptos de ira los saldaba sobre sus hijos Giacomo y Bernardo, quienes recibían constantes palizas.

Su segunda esposa, de nombre Lucrecia, apenas hacía apariciones públicas para no mostrar los latigazos con los que la marcaba Francesco. Si bien, su bellísima hija Beatrice era la más desafortunada, pues aparte de los bastonazos, la joven era víctima de atroces agresiones sexuales.

Durante muchos años Francesco fue intocable por la justicia hasta que en 1598 fue acusado del delito de "vicio nefando" por la violación perpetrada a los jóvenes hijos de un chatarrero a orillas del Tíber, acto ilícito en el que fue sorprendido "in fraganti" por las autoridades.

La condena al banquero fue una multa de 100.000 escudos que, evidentemente, no pensaba pagar. Por ello partió de Roma con su familia y sus criados con dirección al castillo de Petrella del Salto, cerca de Rieti, en los montes Abruzzos.

Allí Francesco siguió sometiendo a su familia a terribles castigos y forzando a Beatrice a mantener relaciones incestuosas. Ésta, angustiada, propuso a sus hermanos acabar con su padre.

Aquella conjura tuvo como fruto un vano intento de envenamiento perpetrado por Giacomo, que al no contar con la fortísima complexión física de su padre, le administró una dosis insuficiente para su fines.

Beatrice, entonces, convenció al señor del castillo, Olimpio Calvetti, para que ayudara a su hermano Giacomo con el crimen. Algunos dicen que Beatrice le vendió su cuerpo al castellano, y otros que le prometió una substanciosa porción de la herencia.

El caso es que una noche, armados con sendos martillos, Olimpio y Giacomo reventaron la cabeza de Francesco. El plan indicaba que, ya cadáver, el banquero fuera arrojado desde lo alto del castillo para simular una caída accidental, pero quedó la cabeza tan reducida a añicos que la justicia inmediatamente sospechó del crimen.

Toda la familia fue arrestada con la excepción del coautor Olimpio Calvetti, quien huyó con un collar de diamantes de Beatrice desapareciendo de la historia. El proceso judicial se siguió en Roma y, a pesar del apoyo del pueblo a los Cenci, el Papa Clemente VIII fue extremadamente duro con los encausados.

La razón es que el pontífice había proyectado apropiarse para su familia, los Aldobrandini, la inmensa fortuna de Francesco, lo cual le resultó harto sencillo.

Bernardo Cenci, el hijo menor, fue recluído de por vida en la cárcel Mamertina; Lucrecia, la esposa, fue condenada a muerte; Giacomo sufrió la misma suerte que su madrastra después de un terrible tormento; y la cabeza de Beatrice fue seccionada por el verdugo el 11 de septiembre de 1599 en la Plaza del Puente de Sant'Angelo.

Entre la muchedumbre que contemplaba la ejecución, se encontraba Michelangelo Amerighi, más conocido como Caravaggio, quien acaso se basó en este grotesco episodio para pintar su obra maestra La Decapitación de Holofernes.

Beatrice fue la auténtica protagonista del proceso, el pueblo de Roma sólo tuvo oraciones para su alma y, dicen, que cuando fue decapitada, un hombre subió al cadalso y colocó amorosamente la cabeza de la desgraciada sobre un lecho de rosas.

La leyenda de Beatrice Cenci, llamada "la de los ojos de mar", fue el motor de varias recreaciones literarias, algunas de ellas por autores de la talla de Stendhal, Dumas, Shelley o, ya en el siglo XX, de Alberto Moravia.

Hay una leyenda romana que dice que el fantasma de Beatrice se muestra todos los 11 de septiembre poco antes de la medianoche. La muchacha eterna se aparece con vestido azul y con su cabeza bien sujeta entre las manos. Esperemos que, ahora que han pasado más de 4 siglos, la muchacha encuentre el descanso que se merece.

domingo, julio 17, 2005


Andy Warhol. Posted by Picasa

Andy Warhol's Blow Job (1963)

Un tipo duro, de pie junto a una pared de ladrillo, espera pasivamente a que ocurra algo. Por la parte inferior izquierda de la pantalla aparece la hombrera de una cazadora de cuero que sugiere la idea de un hombre arrodillado. Durante los próximos treinta y cinco minutos, un primer plano del hombre de pie. ¿Es pornografía? ¿Pretendía Andy Warhol promocionar la homosexualidad? La película es Blow Job, y su verdadera acción se desarrolló un metro por debajo de la cámara.

Sobre este particular, pinchando aquí, pueden degustar las noches más desaforadas del Nueva York de los años '70, por cortesía del fotógrafo Allan Tannenbaum.

jueves, julio 14, 2005


Ezra Pound en 1913. Posted by Picasa

Personae

Ezra Pound nació en Hailey (idaho) en 1885. Con 15 años hizo su primer viaje a Europa donde conoció España, Italia y Francia. A su regreso a los E.E.U.U. fue profesor en el Wasbah College de Indiana, de donde fue expulsado por sus ideas progresistas.

De regreso a Europa, editó su primera obra, A Lume Spento, en Venecia. Las ventas fueron muy discretas, así que Pound marchó a Londres, donde vivió 12 años. Allí publicó varios poemarios y empezó a traducir poesía japonesa. Fundó allí el imaginismo y el vorticismo, dio a conocer la obra de Tagore, fue valedor de James Joyce para editar Retrato de un Artista Adolescente y el Ulises, y apadrinó a T.S. Eliot para editar su primeriza Canción de Amor de J. Alfred Prufrock.

Pound se convirtió en Londres en un agitador cultural de primer orden. Procesiones de artistas jóvenes se dirigían a él buscando su protección. Pound nunca dejó de ofrecerles editor, subsidios, comida y hasta su propia ropa. De esta época son múltiples los testimonios de estafas y robos que sufrió Pound por su generosidad.

Sus traducciones del japonés se compaginaban con el interés de Pound por el confucionismo y la cultura oriental. Sin embargo, su interés también derivó hacia la poesía francesa y provenzal, Heinrich Heine, Guido Cavalcanti, Propercio, el Teatro Noh y la economía política.

Cuando Pound abandonó Londres, sus pasos se dirigieron a París, ciudad donde pasó tres años antes de instalarse en Rapallo (Italia). Fue en su estancia en Francia, donde Pound corrigió el mítico poema Waste Land, de Eliot, quien se lo dedicó al maestro con las siguientes palabras "A Ezra Pound, il miglior fabro".

El de Idaho, por aquel entonces, ya había empezado su obra más ambiciosa, The Cantos, un gran poema épico cuya elaboración le llevó el resto de su vida. Pound la consideraba como una obra a la altura de La Comedia dantesca, un reto colosal que, según la crítica, supuso el semina motuum de la poesía del siglo XX.

En Rapallo Pound empieza a simpatizar con el movimiento fascista creyendo que esta ideología traería una nueva era de justicia social y económica. Cuando empezó la II Guerra Mundial el poeta dirigió fuertes ataques contra la política de los E.E.U.U. desde la Radio de Roma. Desde aquel púlpito, el poeta tildaba de criminales a sus compatriotas y de loco a su presidente.

En 1942, el Congreso de los E.E.U.U. lo declaró traidor a la patria, capturándolo en 1945. Fue interrogado en Génova, posteriormente fue encerrado en una jaula aledaña a la torre de Pisa, donde escribió su poemario The Pisan Cantos y tradujo a Confucio.

Poco después fue trasladado a Washington para ser juzgado, si bien fue declarado demente. Pound pasó 12 años en una celda de 2 metros cuadrados en el departamento de locos furiosos del hospital St. Elizabeth, donde tradujo las Analectas y la Antología Clásica de Confucio y la Trachiniae de Sófocles. Allí siguió realizando The Cantos, cambiando su título por el español Los Cantares.

A pesar de su condena, la Biblioteca del Congreso, gracias a la mediación de T.S. Eliot, le concedió en 1949 el Premio Bollingen por The Pisan Cantos. Este hecho supuso un escándalo tan mayúsculo, que el premio fue inmediatamente suprimido. No hay que olvidar que en The Pisan Cantos, Pound se refiere a Benito Mussolini como poor old Benito y a Rooselvelt como a un hombre obsesionado por acumular riquezas.

En 1958, y toda vez que se estimaba incurable por las autoridades médicas, Pound fue liberado del St. Elizabeth. El poeta se retiró a Italia, pasando sus últimos días en Venecia, donde falleció en 1972.

A pesar de lo controvertido de su biografía, lo cierto es que Ezra Pound es un punto de referencia clave de la poesía actual y un maestro irreemplazable para las nuevas generaciones de poetas. Por último, les dejo con este magnífico poema cargado de sutileza oriental:


Ts'ai Chi'h

The petals fall in the fountain,
the orange-coloured rose-leaves,
Their ochre clings to the stone.


[Ts'ai Chi'h. Los pétalos caen en la fuente, / pétalos de rosas naranjas, / su color mineral se adhiere a la piedra. Versión de bubastis.]

miércoles, julio 13, 2005


Cheri Samba. Posted by Picasa

Arte Zaireño

Samba Wa Mbimba N'Zinga Nurimasi Mdombasi, más conocido como Chéri Samba, nació en Kinto M'Vuila (Zaire) en 1956. Desde muy joven demostró inclinación por la pintura, realizando tiras cómicas que vendía en la escuela.

Su padre le obligó a trabajar en la herrería familiar pegándole cada vez que le veía con los pinceles en la mano. Sin embargo, Chéri Samba se escapó pronto de casa y marchó a la capital, Kinshasa, donde empezó ganándose la vida pintando carteles de peluquerías. Allí empezó a colgar en los árboles sus pinturas, ácidas críticas a la sociedad y el régimen de Mobutu.

Escapando con picardía y destreza de la censura dictatorial, en 1989 consigue una exposición en el centro Georges Pompidou y en la reputada galería parisina de Jean Marc Patras. Había nacido la leyenda de Chéri Samba.

Se trata de un pintor sin referencias occidentales, absolutamente original e imposible de calificar en tendencia artística alguna. No toma prestada ninguna influencia del "mundo desarrollado", aportando una visión viva, candente y real de la sociedad africana.

Samba se aleja del tópico africano formado por las máscaras rituales y la apología de la "negritud". Es un artista de moral, un educador cuyo principal recurso es el sentido del humor.

Sus pinturas representan historias reales con acotaciones escritas en francés tan delirantes a nuestros ojos como la que cuenta en el cuadro La Pendaison: "Un amigo mío intentó ahorcarse porque se le hizo saber que tenía sida. Hizo su testamento y reveló en él a todas las mujeres con las que había tenido un affaire porque creyó que era lo correcto. ¡Se organizó un gran revuelo en Kinshasa! Pero el desgraciado no murió en el intento de suicidio y después se enteró de que no tenía sida. Hoy es un pobre diablo y la sociedad y todos sus amigos le han dado la espalda ¡porque dijo la verdad!"

En la obra Kosuba Awa Te Samba se pregunta: "¿Por qué todo el mundo se empeña en mear en los edificios públicos? ¡Hasta los cooperantes belgas mean en los edificios públicos!"

En Les Pantalons Sont Défendus aux Femmes Chéri Samba arremete contra la campaña lanzada por Mobutu para prohibir a las mujeres el uso del pantalón y en Pitie la Prostituee dos amigos se van de putas a un burdel. Uno de ellos no tiene dinero, pero su amigo le ha prometido invitarle. Tras gozar de las delicias del amor, el amigo generosos se disculpa y con la excusa de hacer pipí (sic) pone los pies en polvorosa. El amigo ingenuo paga el pato. la prostituta, indignada con razón, le persigue desnuda por la calle hasta atraparle y dejarle la espalda hecha cisco.

martes, julio 12, 2005


Orlan. Posted by Picasa

Arte Quirúrgico

Orlan nació en 1947 en Saint Etienne (Francia) y en 1968 organizó su primera exposición solitario La Grand Odalisque (La Gran Odalisca). En 1978 se sometió a la primera performance quirúrgica. La Reencarnation de Saint-Orlan (La Reencarnación de Santa Orlan) o Images, Nouvelles Images (Imágenes, Nuevas Imágenes) fueron sus primeras operaciones poéticas.

En 1993, en su séptima operación, se insertó dos implantes de silicona a cada lado de su frente, a modo de bultos. Estas operaciones fueron filmadas y retransmitidas vía satélite; bajo los efectos de la anestesia local suele dirigir estas intervenciones. Sus fotografías se cotizan a algo más de 7 millones de pesetas.

jueves, julio 07, 2005


D. Heberhard David Hauber Bibliotheca. Acta et Scripta Magica (1739). Posted by Picasa

Me Como los Calditos Knorr Como si Fueran Bombones

Me voy a tomar unas cortas vacaciones, así que me pasaré 3 ó 4 días sin postear. Les dejo, para que no se aburran, con esta enjundiosa página web argentina, en la cual sus anónimos colaboradores revelan al mundo sus más íntimos secretos. Desconcertante.

miércoles, julio 06, 2005


Vagina Dentata Organ. Posted by Picasa

Psychic TV vs. TVE

Corría el año 1984 cuando España vivió el escándalo televisivo más sonado de la historia. Paloma Chamorro, desde 1983, dirigía y presentaba un programa contracultural y vanguardista en la segunda cadena de TVE llamado La Edad de Oro. Dicho programa había sido objeto de múltiples protestas de televidentes y grupos de presión por lo controvertido de ciertos contenidos.

Gracias al Programa de Chamorro España había conocído a bandas tan extremas como The Residents, Parálisis Permanente, Alan Vega o Durruti Column.

Sin embargo, aquel programa que llevaba varios meses escandalizando nuestro país fue retirado de la programación el día que invitaron a Vagina Dentata Organ, Genesis P-Orridge y Derek Jarman.

Vagina Dentata Organ es una banda formada por un solo hombre, el catalán Jordi Valls, residente en Londres desde 1977, que había conmocionado la escena musical con LP's como Music for Hashisins (editado en 1983 y consistente en 45 minutos de gruñidos y ladridos de un perro lobo distorsionados con un emulator), The Last Supper (un picture disc publicado en 1983 con la grabación original del suicidio colectivo perpetrado en 1976 por la secta El Templo del Pueblo, dirigida por el reverendo Jim Jones) y The Triumph of the Flesh (grabado en 1984 y consistente en el retumbar obsesivo de los tambores de Calanda. Cada copia de dicho artefacto se acompañaba con un frasco de sangre del propio Jordi Valls).

El británico Genesis P-Orridge era el alma mater de Throbbing Gristle y Psychic TV dos de las bandas más radicales y ruidistas de la historia de la música (un trono que comparten con Whitehouse) y que, últimamente, más centrado en la performance que en la música, ha tenido la ocurrencia de implantarse pechos y hacerse llamar Genesis Breyer P-Orridge.

El londinense Derek Jarman era por aquel entonces un dotado y furioso escenógrafo y cineasta que, pocos años antes, había estrenado la película Sebastiane, una hagiografía homosexual del mártir católico hablada en latín. Fallecido en 1994, su testamento fílmico fue la película Blue, un film que durante sus 79 minutos duración mantiene un solo plano azul.

Jordi Valls había sufrido recientemente un accidente de tráfico que le había postrado seis meses en un hospital, y para aquel programa de La Edad de Oro Derek Jarman realizó un cortometraje surrealista en el que Valls, oculto bajo una capucha y junto al coche con el que tuvo el siniestro, daba latigazos a una virgen de Montserrat llevada en hombros por cuatro capuchinos.

Jarman aliado con Genesis P-Orridge y Jordi Valls (todos ellos bajo el nombre de Psychic TV) presentaba contundentes videoclips con secuencias en las que se mostraban cristos con cabeza de cerdo y actores desnudos con serpientes enroscadas a su alrededor.

Asimismo, Valls también realizó una performance en la que, con el fondo "musical" de Music for the Hashisins, rajaba lienzos del cotizado pintor Casademont valorados en más un millón de pesetas de la época. Valls había dispuesto detrás de las telas bolsas de sangre al efecto de que éstas parecieras sangrar cuando las rajaba. La performance llegó a terminarse por segundos, pues Valls consiguió darle la comunión a cuatro perros furiosos cuando entraron las fuerzas de orden público e interrumpieron la emisión en directo.

Paloma Chamorro fue juzgada por blasfemia, La Edad de Oro fue fulminantemente eliminada de la parrilla de televisión y los artistas involucrados en el escándalo siguieron sus respectivas carreras permaneciendo fieles a sí mismos y con un notable éxito.

Por último les dejo con una carta abierta de Jordi Valls dirigida a Mario Vargas Llosa y con el público llamamiento de que, si alguien posee una copia de aquel programa, que por favor la divulgue. Muchos le estaremos agradecido.

martes, julio 05, 2005


Ojo Azteca. Posted by Picasa

De la Flor

El extinto siglo XX nos dejó productos desaforados de racionalismo estético seguramente magnificados por las guerras mundiales y la progresiva alienación económica. Así nos topamos con hitos artísticos con vocación cartesiana como la música dodecafónica, la pintura no figurativa o la arquitectura sin color local ni función.

El atractivo de este arte residía en el aspecto intelectual y no sensual, tal y como manifestó en su día el compositor Arnold Schönberg en un rapto de sinceridad.

No obstante, el nuevo siglo parece tener trazas (unas trazas que ya han tenido preludio desde las últimas décadas del XX) de humanizar la modernidad y generar una interdependencia real entre el arte y la realidad intelectual, económica y social; haciendo escapar el acto estético de rigideces estereotipadas, autoprotectoras y ferozmente formales.

En este contexto, debo admirar y recomendar la pintura de Manuel de la Flor, que estos días, hasta el 15 de julio, se está exponiendo en la imprescindible galería de Rina Bouwen (C/ Augusto Figueroa, 17 - 3º) .

Es cierto que la obra de de la Flor se inscribe en el expresionismo abstracto, sin embargo su pintura es fiel reflejo de un humanismo profundo, de una vinculación concreta entre el espectador y el lienzo.

Manuel de la Flor emplea colores terrosos y secos, sus cuadros son paisajes inexistentes, sopesados retratos del subsuelo. Y es que sus cuadros están hechos de humus, de tierra herida, de dedos que arañan la arena. Por todo ello resulta sencillo reconocerse en ellos, pues emplea códigos fácilmente reconocibles en el momento en que nos planteamos que aquella materia pictórica es, al fin y al cabo, la misma conciencia humana, desenterrada estrato a estrato con un fervor exploratorio y acaso expiatorio.

Las breves referencias figurativas dejan intuir puntos de fuga, cielos imaginados, carreteras infinitas; y sirven para ubicar (o tal vez desubicar) al espectador, que de inmediato se ve seducido por anzuelos visuales que le permiten orientarse sobre la superficie del lienzo.

De la Flor es un pintor de lienzo, de superficie, para él el trazo es un recurso pobre, porque él es un investigador, cada cuadro es una ordalía, comienza para él como un interrogante blanco y termina transformado en un ente histórico, arduamente trabajado.

Tengo la fortuna de poseer uno de sus primeros lienzos, el cual condecora una pared de mi cuarto de estar y siempre he tenido la seguridad, al verlo, de que se trata de una apuesta de futuro.

lunes, julio 04, 2005


El Coran. Posted by Picasa

Satanás en Egipto

El vídeo de ayer parece que gustó. Así que aprovechando el escaso tiempo de que dispongo hoy, os dejo con esta perla para vuestro windows media. No se trata de un diablo sino de un djinn. Pueden paladearlo pinchando aquí y con este otro click pueden visitar la página principal.

domingo, julio 03, 2005


Superman. Posted by Picasa

Un Superman Hindú

No puedo evitar ponerles este enlace, se trata de un delicioso vídeo que rememora el Superman indio de los años '70. Simplemente abisal. Un rito de iniciación cortesía del estupendo blog de punio. Sean fuertes.

viernes, julio 01, 2005


Allen Ginsberg. Posted by Picasa

La Espalda de lo Real

La obra de Allen Ginsgberg a menudo queda eclipsada por la inmensa influencia de Aullido, del cual sostenía Octavio Paz que se trataba del poema más vendido y leído del siglo XX. A pesar de todo, nos dejó muchísimas poesías de calidad, entre ellas ésta que deseo compartir con ustedes:

In Back of the Real

railroad yard in San Jose
I wandered desolate
in front of a tank factory
and sat on a bench
near the switchman's shack.
A flower lay on the hay on
the asphalt highway
--the dread hay flower
I thought--It had a
brittle black stem and
corolla of yellowish dirty
spikes like Jesus' inchlong
crown, and a soiled
dry center cotton tuft
like a used shaving brush
that's been lying under
the garage for a year.
Yellow, yellow flower, and
flower of industry,
tough spiky ugly flower,
flower nonetheless,
with the form of the great yellow
Rose in your brain!
This is the flower of the World.

[La Espalda de lo Real. Vías férreas de San José / frente a la fábrica de cisternas, / allí vagaba solitario, / allí decansé junto al mando de agujas. Había una flor sobre el heno, / sobre el asfalto / --terrible flor, pensé-- con / su pequeño, negro y frágil tallo / con su corona de sucias, amarillas / y cristianas espinas. / En el centro tenía una borla de / algodón manchada como una / brocha de afeitar abandonada hace un año / en un garage. / Amarilla. Flor amarilla / Flor de las fábricas, / espinosa y desagradable flor, / que no puede dejar de ser flor. / ¡La gran flor amarilla! / ¡La rosa que crece en tu cráneo! / Esta es la flor, es el Mundo. versión de bubastis.]